La photographie de mode, je t’aime moi non plus.

Merci Mr Zeiss !

Non, je ne vais pas vous ennuyer en parlant technique, mais je voulais remercier Carl Zeiss, de l’entreprise éponyme qui fabrique des objectifs haut de gamme, d’excellente qualité.

Simple is beautiful…

Simple is beautiful but also simple is hardfull…Il y a quelques temps, je lisais une interview de Karl Lagerfield dans le Monde. Il expliquait, à propos d’une rétrospective sur le grand portraitiste américain Irving Penn, que les conditions de shooting mode ont bien changé en l’espace de 20 ans. Aujourd’hui un shooting mode s’intègre quasi systématiquement dans des grosses productions, avec des budgets en conséquence. Sur un plateau, il y a désormais pléthore d’intervenants : le photographe et le mannequin bien évidemment, mais aussi un ou plusieurs assistants lumière, un assistant numérique, une styliste, le client, le coiffeur, la maquilleuse, l’assistant de production, etc. A l’époque d’Irving Penn, foin de tout cela. Les éditions Condé Nast (Vogue, Harper Baazar), lui avait loué un petit appartement dans Manhattan. La cuisine servait de labo pour les tirages, le salon, équipé d’une large baie vitrée, de plateau de prise de vue. Irving Penn travaillait souvent en lumière du jour, donc point d’assistant lumière. C’était un photographe qui préférait de toutes façons être seul avec son modèle. C’était un des plus grands, sinon le meilleur, portraitiste du XXème siècle. Helmut Newton travaillait également avec juste une lumière tungstène et son Canon 24x36 très basique. Plus actuel, Peter Lindbergh est capable de travailler avec peu de moyens : un Leica et un Fresnel. Dans le domaine de la nature morte culinaire, Jean-Louis Bloch Lainé (photographe notamment de Pierre Hermé), vous fait saliver avec juste une source de lumière. C’est ainsi qu’il a appris à travailler en Angleterre au début de sa carrière. On pourrait multiplier les exemples à l’infini.
Aux Usa, un photographe dont j’ai oublié le nom, propose un workshop dont le but est d’apprendre à travailler avec un ou 2 flashs maximum, équipés de simples parapluies. Et de se rendre compte à quel point on peut faire beaucoup de choses avec juste peu de moyens. Cela permet aussi d’oublier un peu la technique et de se concentrer sur sa créativité. En tous cas, pour ma part, j’en suis convaincu et je pense que c’est un très bon exercice, la contrainte pouvant s’avérer créative.

La photographie, c’est aussi un marché.

J’écoutais récemment la retransmission d’une conférence au demeurant fort intéressante, donnée par Sylvain Maresca, sociologue ayant enquêté sur les mutations économiques de la photographie professionnelle. Sylvain Maresca à interviewé bon nombre de photographes de diffusion pour les besoins de son étude. Il leur a demandé de décrire la façon dont ces derniers ont appréhendé le virage du numérique. Il en a fait la synthèse, mettant en avant les difficultés de la profession. Une très large majorité a clairement mal vécue cette révolution, se référant sans cesse à “l’avant”, et en la subissant sans forcément trouver les ressorts pour tirer parti du numérique. Les remarques et commentaires des photographes présents à cette conférence abondaient dans la même direction.
Au delà des aspects technologiques évidents, je pense que la révolution numérique oblige à changer d’état d’esprit face au marché. Et c’est bien plus long et plus difficile que de passer du film au capteur. Aujourd’hui, le marché est mondial. L’actualité vient nous rappeler que notre business va bien au delà de nos frontières. Là où hier, si on était un bon créatif, on pouvait s’en sortir, cela ne suffit plus aujourd’hui. Il faut être plus que jamais créatif -condition nécessaire pour se démarquer d’une concurrence mondiale-, mais aussi gestionnaire, et homme de marketing. Il faut se considérer comme une marque, raisonner en termes de besoins clients et de marchés. Mais en entendant la conférence de Sylvain Maresca et les réflexions de certains confrères, j’ai le sentiment que ce discours heurte, voire choque, certaines oreilles. Comme si vision d’auteur et marketing étaient incompatibles. Comme si prix de marché étaient un gros mots face à droits d’auteur. Ce dernier n’est plus respecté ? Ce n’est pas vrai à partir du moment où l’on reste souple dans son application face au marché qui évolue et si on propose une vraie créativité. Comme si certains se réfugient derrière le soi-disant abandon du droit d’auteur pour cacher leur propres difficultés à se vendre…Et l’on retombe dans un débat bien franco-français, où il est bien difficile de changer nos habitudes, en oubliant parfois de regarder ailleurs. Lisez la presse professionnelle photographique anglo-saxonne, notamment américaine, et vous vous rendrez compte que les photographes américains ont bien moins de scrupules à allier business et photo créative…
La conjoncture n’est pas facile, mais pour ma part, sans le numérique, je ne serai certainement pas arrivé là où je suis, en terme de développement de chiffres d’affaires. Il s’agit bien d’un progrès.

Y a-t-il un intérêt à communiquer sur son savoir-faire ?

Argentique ou numérique ? où comment le débat technique s’est déplacé vers l’émergence d’une nouvelle esthétique photographique…

En feuilletant le très beau livre de la photographe Sacha, qui présente une rétrospective de son travail de mode des années soixante à deux mille, j’ai pris pleinement conscience des changements esthétiques survenus avec le numérique dans la photographie. Feuilletez un magazine de mode des années quatre vingt-dix, les images semblent appartenir à une autre époque. Les photographies laissent percevoir le grain et la colorimétrie a quelque chose d’irréel. Forcément, car le profil colorimétrique d’un film est rarement fidèle à la réalilté. Et quant au grain, aujourd’hui les images sont tellement lisses, métalliques…Il s’agit bien d’une autre époque. Et pourtant, ces images ont au plus une quinzaine d’années.

Le débat entre argentique et numérique peut sembler dépassé. L’outil numérique a tellement évolué en l’espace de dix ans. Aujourd’hui on arrive à reproduire fidèlement un rendu argentique à partir d’une prise de vue numérique. Les logiciels de post-production le permettent, jusqu’à restituer le grain argentique de façon aléatoire, exactement comme le rendu d’une bonne vieille Tri X de chez Kodak. Jusqu’à présent, j’ai continué à travailler en argentique pour certains travaux personnels. L’argentique a -selon moi- l’avantage de ne pas pouvoir visualiser sa photo. La limite de 36 vues force aussi à voir les choses différemment. Et quel formidable outil qu’est la planche-contact pour analyser son travail. Mais malgré tout, aujourd’hui, je me pose la question de savoir si cela vaut encore le coup.

Mais au final, l’outil en soi n’est qu’accessoire. Le numérique et ses possibilités techniques qui se sont considérablement accrues, nous poussent vers une autre esthétique. Aujourd’hui on peut photographier en très basse lumière, gérer des contrastes très forts grâce au HDR, faire son propre noir et blanc en agissant sur chaque couleur, etc. Il ne faut pas vouloir faire la comparaison avec “avant” car les esthétiques sont différentes, tout comme elles ont évolué quand on est passé de la plaque de verre, au format 24x36. En revanche, il faut toujours un point de vue, une lumière, une composition pour faire une bonne photo. Heureusement.

La photographie ci-dessous a été réalisée avec un boitier numérique et retravaillée en post-production afin de la rendre fidèle à une photographie argentique traitée avec un film Kodak TriX 400iso.